Boulesis. boulesis.com Filosofía, deliberación y pensamiento. Miguel Santa Olalla Tovar

No se sabe muy bien por qué azares del destino, hace ya unos miles de años que nuestra especie se puso estupenda y le dio por la belleza. Por dedicar parte de su animal tiempo en decorar paredes, en decorarse a sí mismos y en entablar relaciones simbólicas (a través de objetos, lugares…) con aquello que le causaba temor o aquello de lo que dependía. El caso es que llegó un momento en que esa actividad se constituyó en algo más, tomó forma y quedó institucionalizada en lo que a lo largo de los siglos denominamos “arte”. Un objeto un tanto misterioso, difícil de definir entre otras cosas porque nace de una tensión poderosa entre dos puntos de vista distintos que son los que quisiera comentar aquí: el del artista y el del espectador. La persona que produce arte no es la misma que la que lo ve: a la distancia geográfica se une a menudo una distancia temporal y cultural, y aquí está la clave para empezar a arrojar algo de luz sobre la cuestión de esta rara actividad que denominamos arte, y que hoy en día nos tiene un tanto desconcertados. Seguir leyendo…

Que el arte nace en medio de la vida es algo de lo que tenían conciencia los griegos. Desde el kuros de Anavissos (enlace en inglés. Por cierto: Wikipedia no dice nada del mismo, a fecha de hoy…) a la tragedia griega, el arte no era objeto de contemplación, sino que que más bien, se había convertido en un objeto de “participación” (valga la expresión). Era un objeto más de la vida, y se participaba en la tragedia griega con la misma naturalidad que se veneraba una escultura. Arte cultual, se le suele denominar, entre otras cosas porque estaba dentro del culto de esa religión fantásticamente politeísta que era la griega. El propio Aristóteles nos habla de la purificación (catarsis) que tenía lugar en la tragedia: las pasiones y emociones que intervienen en la misma provocan una viviencia en el espectador, convertido en un actor más de la misma. El arte se convierte entonces en un instrumento poderoso, capaz de influir en el comportamiento y en la vida de la gente. Seguir leyendo…

Hay quien se alimenta del arte. Quien lo necesita para vivir. Como si existiera un gen de la creatividad, de la capacidad de innovación. Hay personas capaces de fundar una nueva realidad con su voz, con un instrumento entre sus manos o con los movimientos de su pincel. Y es verdad que muchas de estas personas han vivido amparadas bajo algún tipo de poder o apoyo económico. Es posible que sin esta ayuda sus obras no hubieran llegado a nuestros días. Pero hay otros artistas, otras formas de arte, que se mantienen sin esta ayuda. La belleza puede también nacer en la indigencia, en los estados de necesidad. El arte sin mecenas ha existido siempre y a menudo ha terminado convirtiéndose en arte clásico. A menudo nos referimos a ello como “arte popular”. El arte de los desposeidos cuenta con unas características especiales entre la que cabría destacar, por ejemplo, la carencia de medios. Hacer arte de la nada, una manifestación más del genio humano. Se trata de creaciones basadas en el instinto, en el impulso creador y, a menudo, en capacidades técnicas extraordinarias. En estos casos el arte huye del salón y la academia, de la institución, y se va de fiesta a la calle, al barrio o al arrabal, donde toca, canta, baila, pinta o recita poemas improvisados. Seguir leyendo…

Qué difícil es vivir del arte. Si no que se lo digan a todos los que anónimamente han dedicado su vida a la creación sin lograr que su obra perdure o haya logrado cualquier clase de reconocimiento. La vida del artista es, en muchos casos, frágil, y los ejemplos de genios que murieron en la miseria llena los manuales de historia del arte, la literatura o la música. El caso de la pintura, la escultura o la arquitectura es paradigmático: las obras maestras que han llegado hasta nuestros días recibieron en su día un apoyo imprescindible. el mecenazgo. El poder político y el religioso han sido, en muchos casos, los que han permitido la existencia del arte, nos guste o no. Un porcentaje muy significativo de obras de arte de todos los órdenes (incluida la literatura) han sido obras de encargo, posibilitadas por la voluntad de proteger el arte, independientemente de los (múltiples) intereses que puedan alentar esta tendencia. El caso es que, a poco que reflexionemos, nos damos cuenta de la presencia del poder dentro de arte. En la música, la religión ha supuesto un impulso innegable a lo largo de los siglos: desde el gregoriano hasta la música coral, muchos de los grandes autores de la historia de la música han compuesto diferentes obras para ser incluídas en ritos religiosos. Por no hablar de las obras realizadas para el “entretenimiento” de las clases poderosas: marchas militares, óperas que incluían mitos fundacionales, música de corte, conciertos de cámara… En definitiva, diferentes manifestaciones musicales auspiciadas por el poder. Seguir leyendo…

Una de las caracterí­sticas del arte es su lógica interna. Los especialistas saben que hay unas reglas, y también saben que las obras maestras se han escrito, pintado o esculpido superando y rompiendo esas reglas. Sin embargo, en esa carrera hacia el infinito que es el arte, existe un estructura, un orden. Las reglas se integran en su superación, en su aniquilamiento, y el artista es consciente de que su creación está sujeta a nuevas normas, a nuevos espacios en los que él desarrolla su actividad creadora. ¿Por qué el artista ha dispuesto ésta o aquélla composición en su cuadro? ¿Con qué criterio ha elegido el poeta o el novelista esta palabra y no aquella otra, que es sinónima, y expresa exactamente lo mismo? De infinitas posibilidades, los artistas materializan sólo unas pocas. Pero no lo hacen al azar. No es el arbitrario y absurdo “porque me da la gana”, que jamás ha sido responsable de ninguna creación humana de valor. Es un trabajo concienzudo, profundo, meticuloso, que se lleva a cabo no sólo en una obra sino en toda una vida. ¿En qué radica esta necesidad? ¿Dónde esta esa fuerza interna de la obra que le lleva a ser constituida en esa obra concreta y no en otra distinta? Seguir leyendo…

El estudio de la antropología cultural cuenta, entre otras muchas, con una virtud muy especial: te ayuda a darte cuenta de la propia cultura, de cómo está organizada y, sobre todo, de que muchos rasgos o prácticas que anteriormente podían ser consideradas “naturales” están en realidad troqueladas por la cultura. Y todo esto hasta el punto de llegar a cuestionar la existencia de universales humanos, algo que, de momento, vamos a dejar para otro día. Una rama muy curiosa de la antropología es la que se dedica a estudiar el parentesco. A priori, uno puede pensar que no hay nada más natural que la paternidad y la maternidad. Tu padre va a ser siempre tu padre, y no tiene más vuelta de hoja. Y esto se podría extender a primos, tíos, abuelos… Es más, nuestro impulso positivista de hoy en día ya tiene una demostración científica de la paternidad: la prueba de ADN. Basta con realizar la prueba a quien tenga dudas al respecto para que pueda saber “a ciencia cierta” quién es su progenitor Seguir leyendo…

Vivimos en una cultura icónica. El lenguaje dominante es, mal que a algunos nos pese, el de la imagen. La fotografía y el video son las tecnologías subyacentes a esta tendencia: el video nos enseña una realidad de un modo más cómodo que el texto, mientras que la fotografía nos ofrece capturas del mundo en que vivimos. No hemos tardado mucho en incorporar esto a la vida cotidiana: no hay acontecimiento que se precie que no se vea acompañado de su correspondiente álbum de fotos o película para el recuerdo. Las consecuencias de la “imaginación” de la vida (si se acepta el palabro, sería la conversión de la vida en las imágenes) afectan tanto a la cultura como a nuestro día a día, y también, cómo no a nuestro pensamiento, que tiende ya a aceptar como indudable esa sentencia que proclama la dominación de la imagen: no es sólo que esta sea verdadera, sino que “vale más que mil palabras”. Pero alejémonos de los tópicos y abordemos el asunto con palabras: ¿dónde reside la verdad de la fotografía? ¿Puede identificarse fotografía y verdad? ¿Existen fotografías que puedan calificarse de “mentira”? Seguir leyendo…

Quien más quien menos tiene cierta relación con el arte: o bien nos gusta leer, o disfrutamos con cuadros o esculturas, acudimos al teatro o al cine, o escuchamos algún tipo de música. Lo cierto es que nuestra vida está en permanente contacto con objetos que se nos presentan como artísticos, objetos hechos arte, “artefactos”. Sin embargo, esta “cotidianidad” del arte, su cercanía y compañía, se ve acompañada de un fenómeno peculiar: la distancias y el alejamiento progresivo de lo que es considerado “Arte”, así, con mayúsculas, en el sentido más genuino de esta palabra. Basta visitar exposiciones de arte contemporáneo o tomar contacto con cualquier objeto de vanguardia para tomar conciencia de esta distancia. El abismo entre el arte “de consumo” o arte “de masas” (quizás el que mayor presencia tenga en la sociedad civil) y lo que se denomina “arte” (sin necesidad de añadir ningún calificativo) se va haciendo más grande cada vez, y puede que merezca la pena prestarle un poco de atención. Seguir leyendo…

Si no teníamos bastante con esa gran mentira de que “una imagen vale más que mil palabras”, el desarrollo tecnológico ha desatado unas consecuencias en lo relativo a la imagen que merece la pena comentar. Todo ello jalonado por 3 productos tencológicos que nos han facilitado mucho más la producción fotográfica: la cámara digital, la cámara integrada en el móvil, y la posibilidad de grabar vídeos con el mismo aparato. Con tan grandes maravillas, el coste de una fotografía se reduce prácticamente a cero: se gasta energía, sí, pero poca, y pese a toda la conciencia ecológica que se va extendiendo, no es una prioridad para nadie el pensar en la energía que se gasta para “inmortalizar” una imagen. Por mucho que haya escenas que no merecen el dichoso “click” de la cámara, pero eso es otro cantar. Vayamos entonces al grano: de tantas y tantas fotos que hacemos no todas merecen la pena y sin embargo muchas de ellas terminan poblando nuestros discos duros. Tenemos fotos absolutamente de todo, sin importar la calidad de las mismas, la importancia de lo fotografiado y sin importar si quiera si algún día tendremos tiempo de revisar tanta fotografía.

Seguir leyendo…

La separación entre lo natural y lo artificial se ha ido haciendo cada vez más difusa. Puede que siempre lo fuera. Según Wikipedia, la domesticación animal comenzó hace unos diez mil años. Lo cual quiere decir que ya han pasado varios milenios desde que algunos animales dejaron de serlo. Y es que el amor por la naturaleza es un sentimiento que puede llevarnos a contradicciones. Desde los que aman tanto las flores que las cortan para ponerlas en su jarrón, hasta los que se relajan observando cómo el pez choca una y otra vez con el cristal de su pecera, pasando por los que entienden que la jaula es el lugar idea para la vida de un pájaro. Amantes de los animales y de la naturaleza que, llevados por ese frenesí “natural” desnaturlizan o desanimalizan. Tratan de convertir en otra cosa (¿quizás en “humano”?) lo que en un comienzo era algo completamente distinto: el instinto, el ladrido, la flor que fecunda o el pez que devora y es devorado no tienen mucha cabida en nuestras casas. Seguir leyendo…