Boulesis. boulesis.com Filosofía, deliberación y pensamiento. Miguel Santa Olalla Tovar

Desde sus inicios, en los que estaba muy ligado a la religión, el arte nos ha ofrecido una copia de la realidad: su función mimética predominaba sobre el resto. Las disciplinas figurativas podían rescatar la realidad de las garras del tiempo: inmortalizar un rostro, un cuerpo, levantar todo un edficio en honor de un ritual o incluso una fecha. La música era capaz de atrapar sentimientos, de expresar ideas y de recrear la naturaleza. Este carácter imitativo, no le resta ni un ápice de valor a la tarea de los artistas clásicos: ponían todo su genio creador en esa tarea, concentrando su talento en los criterios estéticos con los que construían sus obras. Cuando se dice que el arte es imitación, no se está negando su capacidad creadora: hay muchas formas de imitar, y la libertad del artista ha estado presente en su actividad desde que el ser humano comenzó a crear objetos con finalidad estética.

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Una de las ideas más importantes de David Hume afirma que todas nuestras ideas proceden de la experiencia. En lo filosófico, la consecuencia de esto es que no hay ideas innatas, recuperando en cierta manera aquella comparación de la “tabla rasa” de Aristóteles (que por cierto, es recuperada por algunos psicólogos actuales, precisamente para criticarla). Si aceptamos el símil, nacemos como una libreta en blanco en la que vamos (y nos van) escribiendo palabras y mensajes que después utilizamos para elaborar nuestros propios mensajes. El asunto trasciende la discusión filosófica y especializada y apunta directamente al núcleo mismo de otro acto bien distinto que habitualmente damos por supuesto: la creación humana. Si todo lo que conocemos procede de la experiencia, ¿hasta qué punto puede crear el ser humano? ¿No será la creación una mera imitación, una copia, o como mucho una sutil inspiración?

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Aprovechando que el arte contemporáneo siempre está de actualidad, sugerimos a continuación cinco motivos que justifican no el rechazo, pero sí al menos la perplejidad y el asombro cuando nos ponemos delante de una obra de arte contemporáneo. Lo que algunos pueden considerar un demérito de la forma actual de crear puede ser interpretada por otros como una de sus virtudes.Ya lo dice un buen amigo: “nunca se sabe”. Ahí va la lista de hoy:

• La ruptura con la técnica: los grandes creadores de arte contemporáneo no necesitan dominar una técnica artística concreta.
• La anulación del mensaje: cuando el espectador espera que el objeto le “transmita” un mensaje, y la obra renuncia a cualquier pretensión de este tipo, sujeto y objeto quedan incomunicados.
• La provocación como único signo de creatividad: el público termina cansándose de que el artista piense que su única misión es provocar a quien contempla su obra.
• La falta de criterios para caracterizar el arte: la experimentación ha llevado al arte actual a un terreno peligroso. La “inflación” del concepto implica su destrucción: si todo es arte, llegará un día en que nada lo sea.
• La repulsa o el rechazo como experiencia estética: al margen de los indicadores del mercado del arte, el aumento de la insatisfacción o el desagrado del público no puede ser un buen síntoma. ¿Puede un artista considerar positivo que los asistentes a un museo de arte contemporáneo piensen que han perdido el tiempo? A veces, da la sensación de que fuera el fin perseguido.